John Constable, Mühle in Gillingham, Dorset,

1825-1826. Öl auf Leinwand, 50,2 x 60,3 cm.

Yale Center for British Art, New Haven.

 

 

Schließlich werden, für sich genommen, die schönsten Fragmente, die der Geist eines Menschen erschaffen kann, nie etwas anderes sein als einzigartige und extravagante Produktionen, verglichen mit Arbeiten, in denen Schönheit das Ganze durchdringt und wo Harmonie auch im Mittelmaß existiert. Solche Werke sind ohne Zweifel wenig aufsehenerregend, aber sie werden nicht nur vorübergehende Aufmerksamkeit auf sich ziehen, sondern diese auch dauerhaft behalten. Dies nur, weil sie nicht den Eindruck erwecken, sich nur einem Objekt vollkommen zu widmen.

Diejenigen, die sich in ihrem Kunststudium ausschließlich einem einzigen, besonderen Objekt gewidmet haben, sind Aufsteiger, die sich mit grenzenlosem Ehrgeiz häufig aus bescheidenster Herkunft hochgearbeitet haben. Sie finden ihr eigenes System einzigartig und dass es jedermann zugänglich gemacht werden sollte. Sie vergessen dabei nur, dass der einzig richtige Weg zur Wahrheit und Einfachheit über den oft ignorierten Weg der Wissenschaft führt, durch die individuelle Genies häufig angespornt werden. Es gibt keinen besseren Weg als diesen. Das beste Beispiel ist das wunderbare Genie Albrecht Dürers (1471-1528), der beim Gefühl ebenso groß war wie in der Wissenschaft. Englische Maler scheinen nicht zu verstehen, dass die einzige und unfehlbare Grundlage in der Kunst ein gründliches Wissen darstellt.

Ein gründliches Wissen – der davon beherrschte und gestärkte Geist kann sich nicht nur exakt und genau verständlich machen, sondern auch den Grund für seine Präzision verstehen. Welch größere Freude kann es geben als diese? Es gibt einige seltene Bilder, die den Eindruck von Perfektion vermitteln, man fühlt, dass der Maler sein Ideal vollständig realisiert hat. In der Englischen Schule gibt es keine dieser gerade dargestellten Ursachen. Das Beste, was von ihnen gesagt werden kann, ist, dass sie eine Plattform des Ideals besitzen, die der Betrachter aber selbst entwickeln und der dann Zuflucht in seiner eigenen Fantasie finden muss, wenn er Freude daran haben will.

 

 

Die Aquarellmalerei

 

In weniger als einem Jahrhundert hat die Englische Schule beim Aquarell drei Übergänge erlebt. Zunächst gab es die gefärbte Zeichnung, die nichts anderes war als eine einfache, lavierte Ausziehtuschezeichnung, wie es in den Werken der ersten in der Geschichte der englischen Malerei als erwähnenswerten Künstler in diesem Stil beobachtet werden kann. Der in Lincolnshire geborene Maler Francis Barlow (um 1626-1704) malte mit einem gewissen Empfinden Tiere und insbesondere Vögel, aber das Niveau seiner Zeichnung war deutlich besser als sein Kolorit.

Am Ende des 18. Jahrhunderts zählten in diesem Kunstzweig zu den Meistern: Thomas Hearne (1744-1817), Michael Angelo Rooker (1746-1801) und William Payne (um 1760-1830), deren Werke aus einfachen lavierten Zeichnungen in Braun oder Bläulich-grau bestanden und die in ihrer Arbeit mit Federzeichnungen bei solchen Teilen wie dem Himmel, dem Wasser und den in helleren Farben ausgeführten Vordergründen eine mehr oder weniger große Perfektion erreichten.

Aber auch bei ihnen gibt es keine richtigen Farbtöne zu sehen, sie sind, so wie die lavierte Zeichnung selbst, auf einem verminderten Ton aufgeweicht, und in diesen Werken bemüht man sich vergebens, Licht- und Schatteneffekte zu finden. Und noch weniger bemerkt man den Wunsch, die wahren Farben der Natur zu imitieren. Diese nüchterne, ausführliche Behandlungsart war schon erfreulich, wenn auch von flacher Prägung, und umfassend genug, um die Darstellung poetischer Themen und bestimmte künstlerische Sichten zu erlauben. Aber in den Themen, bei denen Figuren eine wichtige Rolle spielen oder in architektonischen Entwürfen, bei denen dieser Stil am häufigsten verwendet wurde, zerstören die zu stark geprägten Federlinien allen Charme, und in jedem Fall sind die zeitgenössischen Aquarelle im Vergleich zu späteren Werken wenig aufregend.