REPÚBLICA DOMINICANA
Estos dos estilos de música dominicanos tan populares han saltado fronteras y ahora nos invitan a bailar sin importar dónde estemos.
El merengue es fácilmente reco-nocible debido a su ritmo rápido de 2/2 y 2/4. Hay varias opiniones en cuanto a sus orígenes, pero la creencia más común es que se trata de una combinación de ele-mentos africanos y europeos. Los instrumentos utilizados para el merengue son el melodeón (ins-trumento parecido al acordeón), la güira (cuya apariencia nos recuerda a un rallador de queso), y la tambora (un tambor de doble cara). Los dominicanos adoran el merengue y es normal verles bailando y cantando este ritmo en cualquier lugar.
En cuanto a la bachata, este estilo tiene un ritmo más melancólico de 4/4 y los temas que trata versan sobre la vida rural y las relaciones entre hombres y mujeres. Originariamente, y antes de que este género fuera dado a conocer por la industria discográfica y los medios de comunicación, los tríos y cuarteros de guitarra (base de la actual bachata), servían como informales focos de reunión en casas y patios, normalmente los domingos por la tarde. Durante los años 60, este estilo estaba clasificado como una subcategoría de la música de guitarra, pero algunas décadas más tarde, sus músicos comenzaron a acelerar el ritmo y se creó un nuevo paso de baile. Fue así como la bachata pasó a ser considerada música de baile.
VENEZUELA
Venezuela tiene una tradición muy rica en lo que se refiere a música, danza y fiestas populares, ya que en todas estas expresiones se mezclan la tradición indígena, afro-venezolana y criolla. Esa suma de varias culturas hace que el resultado sea un legado verdaderamente próspero. Si hablamos de música, Venezuela se destaca por el gran desarrollo que cada comunidad hizo de los instrumentos musicales artesanales y tradicionales utilizados para acompañar bailes y cantos en celebraciones, fiestas y ceremonias religiosas. Se pueden encontrar más de 100 tipos, subdivididos en instrumentos de viento o aerófonos, de cuerda o cordófonos, los construidos con una membrana o membranófonos y los idiófonos.
Algunos ejemplos de aerófonos son: la flauta en diferentes formas y materiales; una trompeta construida con una concha de caracol marino llamada guarura con un orificio en la parte superior que le sirve de boquilla; el ovevi mataeto, hecho con un cráneo de venado con cuernos, recubierto con cera negra y un solo orificio en la base para emitir el soplo; y el isimoi o pito grande, una especie de clarinete hecho con un tubo grueso de hoja de palmera. Dentro de los cordófonos existen, entre otros, el arpa aragüeña con 35 cuerdas; el bandolín o mandolina que es un laúd con ocho cuerdas; y el cuatro venezolano, una guitarra pequeña de cuatro cuerdas que se usa en casi todas las festividades religiosas y profanas. El furruco es un membranófono hecho con una lata y una membrana de cuero atada y tensada con cuerdas, que se frota con un palo hasta transmitir una vibración o sonido. La mina y la curbata son tambores hechos con un tronco de aguacate y una membrana de cuero de venado, que se ejecutan siempre juntos y acompañan el canto y el baile que se realizan durante la celebración de la fiesta de San Juan Bautista en la región de Barlovento. Los idiófonos son instrumentos musicales cuyo sonido se produce por la vibración del propio material del que se componen al ser golpeados, rascados o frotados. En este caso, los distintos tipos de maracas son usadas en fiestas y principalmente en rituales chamánicos. Dan ganas de tocar algo, ¿no?
ESPAÑA
La palabra “flamenco” se suele identificar con una guitarra, el pueblo gitano, las palmas y el zapateao. Ciertamente, todos estos son símbolos típicos del flamenco, aunque se podría decir que son sólo la apariencia. El flamenco es mucho más, es un arte que se manifiesta en el baile, en el cante y la guitarra. Sin embargo, en mi opinión, hay algo no tangible que lo hace muy especial: el sentimiento.
Sobre los orígenes del flamenco existe una gran controversia pues, en realidad, los textos más antiguos en los que se hace referencia a este arte son del siglo XVIII. Aunque está claro que su lugar de nacimiento fue Andalucía, existen varias teorías sobre sus creadores. Una de ellas identifica a la raza gitana, que llegó a la Península Ibérica procedente de la India en el siglo XIV, aproximadamente. Otros estudiosos consideran que el flamenco es una mezcla de todas las culturas existentes en el sur de lo que hoy llamamos España, la bizantina, la judía y la musulmana. Otras teorías hablan del origen musulmán, debido a la dominación árabe del sur durante casi ocho siglos. En definitiva, la mayor parte de las personas que han estudiado este tema opinan que el pueblo gitano fue el principal precursor, pero que su arte se vio muy influenciado por la cultura que les rodeaba en esa región de la Península.
En la historia del flamenco existen tres puntos principales, relacionados con las ciudades de Cádiz, Triana y Jerez de la Frontera, donde nacieron las principales escuelas. Aquí comienza este arte, tal y como se conoce hoy, pues hasta ese momento, el flamenco era algo popular, sin reglas fijas, nacido del sentimiento y para expresar emociones.
Al principio, el flamenco era sólo cante, es decir, no existía ni el acompañamiento de guitarra ni el baile. Sólo se seguía el ritmo con las palmas. Posteriormente, durante lo que se conoce como “la edad dorada del flamenco” entre la última mitad del siglo XIX y principios del XX, el flamenco adoptó su forma actual al incluir instrumentos y baile. Empezaron a proliferar los cafés cantantes, momento en el que nacieron todas las variantes de este hermoso arte. Estos cafés evolucionaron a mediados del siglo XX hasta convertirse en los actuales tablaos. Así, poco a poco, el flamenco se fue extendiendo internacionalmente hasta el punto de ser mostrado en festivales y teatros.
En el flamenco actual, el papel de la guitarra y del guitarrista puede ser no sólo de acompañamiento, sino también de solista. Es el caso del gran Paco de Lucía, o de Manolo Sanlúcar, verdaderos revolucionarios de la guitarra flamenca.
Así, algo tan popular en sus comienzos es hoy en día un arte único y universal.
PUERTO RICO
El reguetón es un nuevo estilo de música latina bailable que nació en Puerto Rico hace aproximadamente 10 años. Es una mezcla de rap, hip hop y reggae jamaiquino, con la influencia de ritmos típicamente puertorriqueños como la bomba y la plena. Posee el ritmo básico del reggae y algunas de las tendencias vocales del hip hop. Además, incluye los sonidos de tambores derivados de la bomba y plena. Esto lo hace ser un ritmo bien pegajoso y de gran popularidad entre la juventud hispana.
El reguetón se dirige principalmente a los jóvenes. Sus líricas exponen la realidad de las calles, hacen críticas sociales y, por supuesto, hablan del amor y la pasión. Algunas veces es también conocido como perreo, término alusivo a la manera de bailarlo que emplea movimientos de caderas que algunos consideran eróticos.
El perreo se baila pegando el cuerpo con otro, ejerciendo diferentes movimientos y rozando de frente, lado o espalda a la otra persona. Se puede hacer el famoso paso de “hasta abajo” que consiste en mover la pelvis suavemente hasta llegar al suelo.
El reguetón también promueve un estilo de vestimenta y una nueva forma de expresión verbal. La moda del reguetón incluye mahones de piernas anchas, camisetas tropicales en tamaños grandes, calzado deportivo tipo canvas y en algunos casos tatuajes y body piercing.
El reguetón también se caracteriza por tener una jerga muy callejera, llena de anglicismos y con un vocabulario propio que incluye palabras como:
· pichaera – ignorar
· guerlas o gatas – muchachas
· guillao – orgulloso y presumido
· flow – estilo
· yales – mujeres
· gata fina – una chica conservadora
· corillo – grupo de personas
· rankearse – subir de categoría
· perrear
El gusto por este peculiar ritmo ha crecido enormemente y está alcanzando ya un importante reconocimiento internacional. Se ha hecho popular en otras islas del Caribe y naciones vecinas, entre ellas la República Dominicana, Panamá, Nicaragua, Méjico, Colombia y algunas regiones de Cuba. Ya ha comenzado a escucharse en los Estados Unidos, particularmente en Florida, Nueva York y Miami debido a la gran concentración de puertorriqueños e hispanos que habitan en estas regiones.
En la actualidad, Tego Calderón, Daddy Yankee, Ivy Queen, Nikky Jam y Don Omar son algunos de los más importantes exponentes del reguetón en Puerto Rico y Latinoamérica. Sus conciertos se llenan a capacidad y sus discos se venden como pan caliente. Definitivamente, este género de rápido crecimiento promete seguir cautivando a muchos. Es por esto que hacemos un llamado a todas las guerlas y chicos que quieran rankearse para que se unan al corillo y aprendan a perrear al ritmo del reguetón.
ARGENTINA
“Mi Buenos Aires querido, cuando yo te vuelva a ver, no habrá más penas ni olvido” cantaba Carlos Gardel. “El Zorzal” o “El Mudo”, como lo llamaban cariñosamente, fue el cantante argentino más importante y una de las figuras más representativas del tango.
Además de baile, música, canción y poesía, el tango es sobre todo un fenómeno cultural y la marca indiscutible del ser porteño.
los comienzos
Este género musical nació en la ribera del Riachuelo a principios de 1880 en un escenario particular. En esa época, Buenos Aires era una ciudad en expansión con un gran crecimiento demográfico producto de la inmigración de muchos países de Europa como Italia, España, Francia, Alemania o Polonia. Estos inmigrantes eran principalmente hombres: marineros, artesanos, peones y otros trabajadores que habían abandonado a sus familias en busca de nuevas y mejores posibilidades de vida en otro continente. Para mitigar su soledad frecuentaban burdeles y lupanares, donde diferentes agrupaciones de músicos improvisaban melodías con flauta, violín y guitarra.
Así se empezó a bailar el tango, al principio sólo entre hombres, y luego junto a las mujeres del lugar. Los primeros tangos carecían de letra, pero posteriormente algunos músicos añadieron canciones a los acordes que describían el ambiente en el que se encontraban, unas escenas a menudo un tanto obscenas o que demostraban poca educación. Por esto, y debido a su origen en los ambientes prostibularios, el tango fue considerado durante mucho tiempo una música prohibida.
LOS AÑOS DE GLORIA
Con el tiempo, los lugares de baile fueron cambiando. El tango llegó a los barrios y comenzó a bailarse en salones públicos, patios de casas particulares y grandes galpones. La década de 1940 quedó grabada en la historia del tango como su época de oro. El cantante adquirió más protagonismo en la orquesta, transformándose en un instrumento más de la misma. Y las letras asumieron un nuevo perfil: en sus versos le cantaban al amor y a la mujer en un tono diferente, más poético que en sus inicios y exaltando la ciudad, el barrio y los protagonistas del baile.
UN PRESENTE DE éxito
Hoy, el tango ha traspasado fronteras y barreras culturales y su música y su baile se disfrutan alrededor del mundo. En casi todos los países existen academias o salones donde avezados bailarines demuestran sus habilidades y donde la música, seductora y melancólica, les transporta a otras épocas.
ESPAÑA
Las sevillanas son actualmente unos de los bailes más típicos de España, y son conocidas internacionalmente. ¡Incluso hay “bailaores” y “bailaoras” en Japón! Y es que las sevillanas son más que música y danza; su ritmo y sensualidad hacen que nuestros pies y brazos se muevan al ritmo; sus letras producen alegría, melancolía, tantas emociones.
Veamos brevemente la historia de las sevillanas. A partir de la fundación de la Feria de Abril de Sevilla, la seguidilla sevillana (posiblemente con orígenes en la antigua Castilla) fue llamada Sevillana. Más tarde, con la aparición de las grabaciones de discos, en los años 60, las sevillanas fueron conocidas en toda España, con nuevos grupos como “Los del Río” o “Los Marismeños”.
Durante los años 80 y 90, las sevillanas cruzaron las fronteras españolas. Una de las más famosas es “El Adiós”, de “Los amigos de Gines”. Actualmente, nacen nuevas sevillanas cada año; mejor dicho, nuevas letras, pues la música y el ritmo, la base de las sevillanas, no cambian mucho. Una regla general para el visitante a la Feria de Abril en Sevilla es, primero, ver cómo bailan los demás, y luego, perder la vergüenza y pasarlo lo mejor posible. Esta es el alma de la Feria.
Usted se divierte viendo y oyendo a los demás, y viceversa. No es necesario aprender este baile en una academia, y seguramente, unas tapas y más de dos manzanillas harán que... ¡se pierda la vergüenza!
Es como una fiesta en familia, pero en un entorno lleno de ritmo, palmas y el color de los trajes de faralaes. Las sevillanas tienen un formato bien definido: se componen de 4 partes (La Primera o entrada, La Segunda, La Tercera y La Cuarta). Cada una de estas partes tiene 3 versos (o coplas). A continuación está la letra de una de las sevillanas más conocidas: El Adiós.
El Adiós
(La primera o entrada)
Algo se muere en el alma cuando un amigo se va
(La segunda)
Cuando un amigo se va
algo se muere en el alma
cuando un amigo se va
algo se muere en el alma
cuando un amigo se va
(La tercera)
cuando un amigo se va
y va dejando una huella
que no se puede borrar
y va dejando una huella
que no se puede borrar
(La cuarta)
No te vayas todavía,
no te vayas por favor
no te vayas todavía
que hasta la guitarra mía llora
cuando dice adiós.
En este caso, la letra es triste, pues habla de la despedida de un amigo.
En conclusión, la experiencia de oír una sevillana, y de ver cómo se baila, es única. Incluso para aquellos que no hemos nacido rodeados por esta forma de vivir la vida.
MÉXICO
La música mariachi es una de las tradiciones más memorables de México. El nombre “mariachi” viene originalmente de los indios coca y significa “música”. La música de mariachi es música folclórica de México y se considera una de las formas musicales más románticas del mundo. Un conjunto completo de mariachi tiene tres o más violines, dos trompetas, una guitarra, una vihuela y un guitarrón. De vez en cuando también se usan el arpa y la guitarra de golpe. El guitarrón es un tipo de instrumento en forma de guitarra pero con un cuello corto y una barriga grande en la parte de atrás. Este instrumento toca la parte de bajo y, junto con la vihuela, otra variante de la guitarra, imparte el ritmo distintivo del sonido mariachi mientras los violines, las trompetas y la guitarra tocan la melodía y la parte segunda o armonía. Normalmente, todos los músicos cantan pero a veces hay un solista.
La vestimenta del mariachi es de tipo charro, similar al traje que usan los vaqueros mexicanos pero mucho más elegante. Este traje típico normalmente está formado por botas, un sombrero grande, un moño o corbata, un chaleco o chaqueta corta, pantalones bien ajustados con una correa ancha y botonaduras o botones brillantes en los lados de los pantalones. Las bandas mariachi usualmente tocan en las bodas, fiestas de cumpleaños, días festivos, serenatas y servicios religiosos.
Algunas canciones populares de mariachi son: Las Mañanitas, Cielito Lindo, México Lindo, Guadalajara, El Rey y muchas más que forman parte del repertorio de cualquier grupo mariachi. Unos cantantes famosos de mariachi son Pedro Infante, Vicente Fernández, Javier Solís y Jorge Negrete. La música mariachi ha sido usada en muchas películas mexicanas y aún se puede escuchar en vivo en muchos restaurantes mexicanos.
ESPAÑA
Son la representación más gamberra de las universidades españolas, pero a sus espaldas llevan una tradición centenaria. Los tunos, ataviados con sus capas y sus pantalones bombachos negros, llenan con su alegre música la noche de las ciudades universitarias. Los tunos del siglo XXI son herederos de una antigua tradición que se remonta al siglo XIII. En el año 1212, bajo el reinado de Alfonso VIII, se fundó en Palencia el primer Studium Generale, precedente de las futuras universidades. A estos Estudios Generales, y a los que se crearon por todo el país, acudían también jóvenes de pocos recursos económicos, a los que se conocía como “sopistas”.
Los sopistas eran estudiantes pobres que con su música, su simpatía y su picardía recorrían conventos, calles y plazas a cambio de un plato de sopa (de ahí proviene su nombre) y de unas monedas que les ayudaran a pagar sus estudios. Además de sus instrumentos siempre llevaban consigo una cuchara y un tenedor de madera, lo que les permitía comer en cualquier lugar donde tenían ocasión. Estos cubiertos de madera siguen siendo hoy en la actualidad el símbolo de todas las tunas universitarias.
Las tunas, tal cual las conocemos hoy en día, aparecieron en el siglo XVI ya que gracias a la creación de residencias universitarias para estudiantes pobres, los sopistas dejaron de mendigar. Las características de las tunas son muy particulares. Están integradas únicamente por hombres y su vestimenta es muy peculiar, toda negra y prácticamente idéntica a la de los estudiantes de las primeras universidades españolas. Cada miembro del grupo, que suele estar formado por unas ocho o diez personas, lleva un instrumento, a excepción del cantante principal. Predominan las guitarras, los laúdes y las bandurrias, aunque el instrumento más característico de las tunas es la pandereta. La razón de ser de estos grupos siempre ha sido la mujer; a ella van dedicadas todas sus canciones, todas sus actuaciones. Sin embargo, conquistando o sin conquistar féminas, el objetivo de las tunas es disfrutar de la compañía de los amigos y hacer de la noche una fiesta.
URUGUAY
Hoy en día, el candombe constituye una de las expresiones musicales más particulares que posee el Uruguay y que lo distingue de los países vecinos. De origen africano, el candombe está basado en la percusión. Se toca con tres tambores, chico, repique y piano, que al ser tocados juntos crean el ritmo del candombe. El chico mantiene la métrica y el piano mantiene la base del ritmo, mientras que el repique le da el toque creativo. Este núcleo de tres tambores puede repetirse varias veces hasta formar conjuntos de varias decenas. Su combinación crea ritmos que invitan a bailar y que desde sus comienzos en su nuevo hogar americano estuvieron asociados con el carnaval.
En varios barrios de Montevideo, al atardecer y, sobre todo durante los fines de semana de verano, no es extraño escuchar grupos de personas que se reúnen a tocar candombe con sus tamboriles. Inicialmente, los barrios donde se realizaban estas convocatorias eran Barrio Sur y Palermo, donde la comunidad negra se ha afincado tradicionalmente. Más recientemente han surgido otros puntos en Montevideo donde aficionados al candombe se reúnen cada semana para dar rienda suelta a sus ganas de tamborilear. Generalmente, el punto de encuentro es en alguna esquina prefijada de la ciudad, a una hora y día determinados de antemano. Allí se congregan las personas, muchas de ellas cargando con su propio tamboril, aunque a menudo también se juntan vecinos curiosos y seguidores de esta expresión musical.
Después de calentar las lonjas alrededor de una fogata, comienzan a tocar y recorrer las calles, repitiendo así una costumbre que llegó a las costas del Río de la Plata gracias a los esclavos africanos.
Desde principios del siglo XIX, cuando los esclavos fueron introducidos al país por el puerto de Montevideo, la cultura africana mantuvo una fuerte presencia entre el aluvión de culturas de todo el mundo que convergían en la capital. Sin embargo, es difícil determinar con claridad los comienzos del candombe en el Uruguay. Sin duda, presente en las fiestas de los negros esclavos, el candomblé era parte danza y parte música, resultando un camino muy efectivo para que mantuvieran sus raíces africanas. Además de mantenerse vivo dentro de la comunidad negra, en la década de los años 40 el candombe comenzó a hacerse un lugar entre los ciudadanos uruguayos de otros grupos étnicos.
A este cambio contribuyeron artistas de otras ramas y se manifestó, por ejemplo, en los cuadros de uno de los pintores uruguayos más famosos, Pedro Figari. Este pintor revalorizó el carnaval tanto como a sus participantes y su música al plasmarlos en sus pinturas. Otro artista que jugó un papel clave en la expansión del candombe fue el músico Alfredo Zitarrosa, que en varios de sus temas hace referencia al candombe. En uno de ellos dice: “Para ahuyentar al Mandinga, macumba, macumbembé, hay que tirar una flecha, y bailar el candomblé.” Así, esta expresión musical fue poco a poco ganando aceptación entre un público más amplio. Más tarde aparecerían otros músicos destacados, tales como José Carvajal, más conocido como “El Sabalero”, que compuso temas de candombe extremadamente populares en la década de los años 60. Más recientemente, muchos otros músicos y cantautores uruguayos, como Jaime Ross, Rubén Rada o Fernando Cabrera, se han incursionado en el candombe. En los últimos 20 años, este ritmo musical ha disfrutado de un auge creciente, gracias en parte a la revalorización del carnaval uruguayo como patrimonio cultural nacional. No sería de extrañar que de ahora en más, el candombe expanda su contagioso ritmo más allá de las fronteras uruguayas.
PERÚ
Por sus instrumentos exóticos y su solemnidad evocativa, la llamada música de los andes tiene un público selecto en el planeta. Este ritmo precolombino de los quechuas y aymaras formó parte esencial en la vida del increíble hombre andino.
Las diversas etapas de la vida de los indígenas de los Andes se desarro-llaron acompañadas de varios tipos de ritmos: alegres, tristes, solemnes, festivos o guerreros. Cada lugar u ocasión tenía sus propios cantos y bailes que no se podían cambiar. Una dura faena se aliviaba con la ejecución de piezas musicales, y la celebración de una fecha festiva se convertía en motivo para que los indígenas dejaran por un momento esa melancolía que les caracterizaba.
LOS INSTRUMENTOS MUSICALES
El elemento más característico de esta melodía fue la zampoña, que era una especie de nueve flautas amarradas en fila hechas de carrizo. La quena era una flauta confeccionada de arcilla, plata, carrizo o de huesos humanos. En la percusión, el tambor, fabricado con piel de puma o piel humana, fue un elemento básico para marcar el ritmo. También existía el “pututo” o caracol marino que emitía un sonido agudo como de ultratumba, un sonido realmente mágico.
El arte musical andino precolombino no conoció los instrumentos de cuerda y su ritmo estuvo basado en la escala pentatónica.
Con la llegada de los españoles se incorporó a esta orquesta el arpa, y nació en estas tierras una especie de guitarra pequeña llamada “charango”, hecha de la concha del armadillo.
LA actual MÚSICA ANDINA
Hoy la música de los Andes ya no se conserva “pura”. Este concepto está casi extinto. Con el paso del tiempo se añadieron instrumentos europeos, creándose así una interesante fusión.
Hay abundantes grupos que aún cultivan este género con gran talento en Perú, Bolivia, Chile, Ecuador, Colombia y Argentina. Durante los años 60 y 70 muchos de estos grupos fueron enviados al exilio europeo por sus ideas socialistas o antimilitaristas. Ya en Europa, estos sonidos indígenas atrajeron la atención internacional. El cóndor pasa, creada en 1913 por el peruano Daniel Alomía Robles, es el tema maestro de la música andina. Paul Simon descubrió esta canción en París y de ahí la hizo conocida a todo el mundo en 1970.
La complicada y hermosa ejecución de El cóndor pasa es sólo un ejemplo del reconocimiento a este género musical indígena después de siglos de haber sido marginado por el mundo occidental.
EL SALVADOR
El tigre, el venado y el toro no son sólo animales, por lo menos no en El Salvador. Aquí también son los nombres de algunos de los bailes tradicionales más populares que forman parte de la cultura, las raíces y las costumbres salvadoreñas.
El baile es una de las formas de expresión y comunicación más bellas y estéticas. Es fuente y emisión de energía, conexión con el mundo exterior e interior y una forma de expresar muchas emociones, principalmente alegría y goce. Desde tiempos inmemoriales, el hombre bailó, bailó para celebrar y festejar, para invocar dioses o para cortejar.
El Salvador, como casi todos los países de Centroamérica, es rico en danzas tradicionales, y si bien toda ocasión es buena para el baile, la mayoría de ellas se representan durante las fiestas de Fin de Año, Año Nuevo y fiestas patronales.
DANZA DEL TIGRE Y EL VENADO
Esta danza representa una leyenda del pueblo de San Juan Nonualco, en el departamento de La Paz. La historia cuenta que, a mediados de 1800, un matrimonio mayor salió a cazar un venado y al verse amenazado por la presencia de un tigre, pidió auxilio y suplicó al Señor de la Caridad, patrono del municipio, que los salvara del peligro.
Los cazadores mataron al tigre y en honor a este santo se celebra una danza en la que varios personajes representan aquel momento: el tigre acecha al venado y a la pareja bailando al son del tambor, mientras el matrimonio armado con arco y flecha baila también alrededor del tigre.
El público observa cómo el tigre ataca a los viejos y aplaude cuando éstos lo degüellan y reparten las porciones del animal entonando frases humorísticas dirigidas a las personas del pueblo: “Lo de adelante para el comandante”, “lo de atrás para el juez de paz”, “la cabeza para Teresa” o “los riñones para los mirones”.
LOS TOROS DE LA ASCENSIÓN
Esta tradición, también procedente de San Juan Nonualco, celebra el hecho ocurrido a un personaje llamado Isidro Labrador, que se dedicaba a la agricultura para alimentar a su familia. Un Jueves de Ascensión (día en el que se conmemora la subida de Cristo al cielo) Isidro se disponía a labrar la tierra y cuando arreaba a los bueyes, uno de ellos le dijo: “Isidro, hoy no trabajaremos, mañana sí”. Él insistió pero obtuvo la misma respuesta y al darse cuenta de lo que se conmemoraba ese día, se arrodilló pidiendo perdón a Dios.
Basado en este suceso se mantiene la celebración del Jueves de Ascensión como el día dedicado a los toros. En todos los barrios, los habitantes fabrican un toro (armazón con varas de bambú forradas con cuero o piel de toro y en los extremos, cuernos y cola) que pasean por las calles, acompañados de música y quema de pólvora. En las capillas o ermitas se adornan altares y se reza el rosario. Luego de las oraciones y el baile, se inician competencias con los toros.
Éstos y otros tantos bailes y tradiciones mantenidos a lo largo de años reafirman el compromiso de promover las raíces del país.
1. ¿El merengue está influenciado por qué dos culturas?
2. ¿Qué instrumentos se utilizan en el merengue?
3. ¿Durante qué años este estilo de música fue clasificado como una subcategoría de la música con guitarra?
1. ¿De qué materiales de origen animal están hechas la flauta y la trompeta?
2. ¿De qué tipo de hoja está hecho el tubo grueso del clarinete?
3. La mina y la curbata son tamborines hechos ¿de qué tipo de árbol?
1. El flamenco es un arte que se mani-fiesta de tres formas. ¿Cuáles son?
2. ¿Dónde nació el flamenco?
3. El flamenco comenzó como canto y evolucionó para incluir ¿qué cosa?
4. ¿Cuál es el papel de la guitarra y el guitarrista?
1. ¿El reguetón es una mezcla de qué influencias, ritmos y sonidos?
2. ¿Qué expresan las letras de reguetón?
3. ¿En qué lugar de los Estados Unidos se ha comenzado a escuchar reguetón?
1. En 1880, ¿de qué países llegaban los inmigrantes a Buenos Aires?
2. ¿Cuáles fueron las principales ocupaciones de los inmigrantes?
3. ¿Dónde se bailaba el tango originalmente?
4. ¿En qué década se convirtió el tango en un baile más aceptado por todas las clases sociales?
1. ¿Cuál es el origen de la palabra mariachi y qué significa?
2. ¿Qué instrumentos forman parte de una banda de mariachi?
3. Describa el guitarrón.
1. ¿Dónde y cuándo se puede escuchar candombe?
2. ¿Cuál es el origen del candombe y qué importancia tiene?
3. ¿En qué otras formas de arte ha aparecido representado el candombe?
1. Los sonidos de la música andina evocan cinco ritmos. ¿Cuáles son?
2. ¿Cómo se construye una zampoña?
3. ¿Qué estadounidense hizo que la música andina se volviera conocida en los años 70?
Las buenas costumbres, y no la fuerza, son las columnas de las leyes; y el ejercicio de la justicia es el ejercicio de la libertad.
Simón Bolívar